El gran y delicado escultor Antonio Pujia, quien dominaba la antigua técnica de la escultura a la encaustica, murió este sábado.

Muy querido por sus alumnos y colegas, el exquisito artista -nacido en 1929 en Polia, un pueblo del sur de Italia, manejaba el arte de emplear cera de abejas para aglutinar elementos a la hora de realizar una obra.

Se trata de una técnica que muy pocos artistas conocen. Hay que trabajarla rápido, porque el material seca enseguida. Y expresa la gestualidad, el movimiento, la vibración y la intensidad del escultor.

Pujía fue velado el mismo sábado y enterrado en el Jardín de la Paz este domingo. Había detallado sobre su trabajo, hace unos años en una entrevista: «Este tipo de material tiene una pigmentación muy viva y su color no varía con el tiempo. Si la acaricio (a la escultura), me devuelve un brillito. Si la agredo, estalla, y en ese estallido me permite diluirla más rápido. El fuego es su gran enemigo, pero sin él no podríamos hablar de cera.»

Sensible, humano, Pujía se recibió de profesor nacional de dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y de profesor de escultura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Allí tuvo como profesores a Troiano Troiani, Alfredo Bigatti, Alberto Lagos y José Fioravanti, con los cuales también trabajó como ayudante en sus talleres, así como en el taller de Rogelio Yrurtia.

El artista realizó su primera muestra individual en la mítica galería Witcomb, en 1965. Ya a esa altura, con solamente 30 años, había ganado el Gran Premio del Salón Manuel Belgrano y el «Augusto Palanza» del Fondo Nacional de las Artes, además del Gran Premio de Honor del Salón Nacional, entre otros.

Ya en el 82, con el advenimiento de la democracia, creó por encargo una medalla conmemorativa de la asunción a la Presidencia de Raúl Alfonsín.

Luego de dos grandes muestras que realizó en el año 2000 en el Museo Eduardo Sivori y en la Galería Principium, Pujia decidió rendirle homenaje al Maestro Rogelio Yrurtia, del cual fuera ayudante en su juventud y de quien conservaba valiosas vivencias y agradecimiento. Reunió entonces parte de sus obras desde 1960, y llevó a cabo una gran exposición en la Casa Museo Rogelio Yrurtia.

Después de 2004 suspendió sus cursos y su participación en muestras colectivas o ferias de arte, para comenzar a crear una gran serie en homenaje a la mujer. Fue así, definiendo y construyendo un conjunto de piezas ensamblando bronce fundido a la cera perdida, mármol de carrara, mármol belga, ébano con diversos baños de plata y oro. Esta era su producción de los últimos años.

Muchos colegas y ex alumnos lamentaron con sentida tristeza su partida, durante las últimas horas. Se fue uno de los grandes escultores que tuvo nuestro país. Parte de una etapa que se termina; quedan las obras.

Se terminó la feria arteBA: este domingo a la noche, tras el típico aplauso general, todos los galeristas comenzaron a desmontar sus stands. ¿Pero qué pasó en esta edición? ¿Qué fue lo bueno, lo mejor, lo peor, lo llamativo, lo acontecido…? Finalmente, la pregunta del millón que una se hace en una feria: ¿se vendió?

“Se vendió mucho, salvo las galerías que pusieron precios muy altos para lo que es el mercado argentino. Pero eran muy pocas”, explicó Sebastián Bocazzi, de la galería Roldán Moderno. Vamos, pues, paso a paso en nuestro balance general. Y finalmente, “comprar es un estado de ánimo”, tal como le comentó un galerista a esta cronista. “Para hacerlo tenés que estar bien, de buen humor, en una burbuja como es una feria, donde te encontrás con amigos, observás, comentás, y todo es lindo, y todo funciona bien”.

Entre las conclusiones generales, Julia Converti, videdirectora de arteBA, subraya que hubo muchas y más activas galerías extranjeras -latinoamericanas pero también de otras regiones- que participaron por primera vez. Entre ellas se destacaron Parque y Petra, ambas de México, la galería LTD de Los Angeles, el Instituto de Visión, de Colombia, y varias limeñas.

“Los mexicanos me decían que les había parecido una feria muy especial porque se notaba que hacíamos una plataforma de intercambio de estéticas y artístas, no meramente negocios -destacó Converti-. Es cierto que queremos abrir la ciudad a los pares latinos y del mundo.” Contra todos los los pronósticos, por el temor del precio del dólar, el saldo económico fue positivo para muchos: casi todos vendieron como para cubrir los gastos y aún mucho más. Fue el caso de la galería Miranda Bosch. También Nora Fisch comentaba la incertidumbre en el arranque, dado que la suba de la divisa no la dejaba dormir… Y no se cansó de vender: salieron todas sus esculturas de Elba Bairon y las dos coralinas porcelanas de Claudia Fontes. La galería Isla Flotante reveló que el Guggenheim de Nueva York y el museo Reina Sofía adquirieron obras de Mariela Scafati, que no para de crecer desde ARCOmadrid en 2016; este gran museo madrileño también compró dos dibujos de Amalia Pica.

Hubo “show”, en especial de la mano de los artistas más jóvenes, que generalmente quieren llamar la atención de los curadores y coleccionistas para comenzar a vender y a “hacerse un nombre”, inventar una marca, una identidad, un producto. Pero también hubo de esos momentos en que una obra te ilumina, te pincha, te toca, te saca de la realidad: pasó con el gran Cupido, la pintura-escultura de Pablo Suárez, de 1992, en la galería Roldán Moderno. También ocurrió con una tela de Juan del Prete, expuesta en el mismo espacio, Abstracción de formas planas III, de 1954. y con los Bernis medianos y pequeños de la galería Sur.

Pasó con los trabajos de Matías Ercole y los de Amaya Bouquet en la galería Miranda Bosch. Pasó con el relieve en metal de Enio Iommi en Maman (ni hablar de las obras de Raúl Lozza de la misma galería). Con las pinturas de Rómulo Macció y los objetos de Dolores Furtado en Vasari (esta artista que ahora mismo se encuentra realizando una muestra individual en esa galería). Y con las pinturas de Jorge Arnáiz en la galería Mara-La Ruche y con los llamativos y bellos objetos de María Nepomuceno en la galería brasileña Baró.

En el Barrio Joven, impactaron los 26 almohadones con grabados digitales de Rafael RG, representando los 28 movimientos de resistencia de Brasil, en la galería Sés. También fue interesante ver el fémur pintado con grafito de Martín Pontón en la galería Quadro; las originales y fuertes pinturas de Fátima Pecci Carou en la galería Piedras, también en el mismo Barrio y los brillantes objetos de Román Vitali en la rosarina Diego Obligado.

Ni que hablar los monos-esculturas de Edgardo Giménez, los objetos cinéticos-ópticos de Martha Boto y las pinturas de César Paternosto en María Calcaterra; los grabados de León Ferrari de la porteña Centro de Edición y el conjunto de esculturas y pinturas del gran e histórico Roberto Aizenberg, en la galería Palatina.

En la sección Solo Show, los libros-objetos de plástico (creados a partir de bolsas de plástico fundidas, lijadas, reinventadas) del venezolano Esmely Miranda en Carmen Araujo se habían vendido -todos menos uno- ya el sábado. Y valía la pena ver las pinturas del artista amazónico Abel Rodríguez en el Instituto de Visión. Cuenta con entusiasmo Julia Converti que el artista, que se presentó por primera vez en el país, vendió toda la obra que trajo a coleccionistas y al museo Lucy Mattos. De edad avanzada, desbordaba de gratitud.

También se destacó la instalación de Sandra Gamarra en la galería peruana 80m2-Livia Benavídez, obra que para comprenderla había que…¡observarla del otro lado! Cada pintura-objeto (instalada en una vitrina e inspirada en las cerámicas incaicas y mochica) tenía, en su reverso, leyendas escritas a mano como “nativo”, “indio”, “terrorista”, “terruco”,“comunero”, “comunista”, señalando a cada uno de las personas que aparecían en las pinturas-objeto, como en un disparatado museo etnográfico.

La performance -anunciada como una “gran estrella” por segundo año- es en realidad una disciplina o un tipo de arte que siempre genera shock. No tiene límites, expone el cuerpo y al artista y es un formato muy libre. Y si bien estuvo presente en todo momento en la feria, en Performance Box, tuvo su propia sección, vinculada a la Bienal de Performance. También entregó a hombres desnudos acostados en el piso, en el Barrio Joven; otros gateando con un traje de latex-. Pero quizá la invitada subrepticia que va imponiéndose poco a poco en las ferias y en la producción es … el sonido.

Lo comprobamos en la galería Acéfala, con la hermosa y delicada instalación sonora de Romina Casile. Todos los días se ejecutó esta obra: una performance realizada con armarios, mesitas de luz y cajones convertidos en instrumentos musicales. Se tituló Quería que mis dedos entraran en las teclas. También el sonido estuvo presente en la performance de Emanuel Tovar serruchando un violín. Y apareció lo sonoro en el trabajo de Carla Zaccagnini, 88, n trabajo presentado como el resultado de buscar las notas coincidentes de todos los himnos del mundo, grabados en un vinilo: era posible escucharlos en un viejo tocadiscos-valija.

También estaba, en la editorial chilena Metales pesados, el gracioso (y brillante) Manual para artistas emergentes, del uruguayo Martin Sastre, que da pistas para aquellos artistas que quieran triunfar. Muchos de ellos son verdad (el sistema funciona así, pero por lo bajo, nadie describe, nadie define, nadie enuncia lo que quedaría “incorrecto”; la mayoría intenta ser funcional). Entonces, valiente e irónico Sastre, con este pequeño librito, en donde escribe: “¿Cómo hacer dinero con el arte? Muy simple: vete de fiesta. Los mejores negocios, las invitaciones más importantes que recibirás para exponer siempre serán luego de las 3 a.m. y tras varios litros de gin tonic”. Otro tip de Sastre: “Nunca nadie hizo obras maestras pensando en cómo hacer para pagar las cuentas del colegio o si hay bananas para el desayuno del bebé. Tú eliges: Hijos u Obras. Pareja o Asistente. Hogar o Museo”. Bastante verídico. ¿Nombres de capítulos? “Cómo comportarte en tu primera Bienal. Felicitaciones, ya eres la nueva sensación del Arte Internacional, ahora disfrútalo sin bajar la guardia”; “Exagera: no mientas, simplemente adorna la realidad”; “Mitifícate: un artista no se investiga, se inventa”.

Pero quizás lo que diferenció esta feria de todas sus ediciones anteriores fue el reclamo que las mujeres vienen haciendo hace tiempo y que se sintió aquí muy fuertemente. Por los pasillos, galeristas, curadores y artistas llevaban pañuelos verdes –a favor de la despenalización del aborto.

El viernes hubo, en el auditorio, mesas del colectivo Nosotras proponemos, de trabajadoras de las artes visuales comprometidas con las prácticas feministas y que piden igualdad de representación también en los museos y en las becas, en los puestos directivos y los sueldos.

La que terminó ayer fue una edición más libre y completa, si se quiere. Otro de los grandes hits del público fue arteBA niños, un programa con talleres y actividades que incluían la presencia de grandes maestros, como Yuyo Noé:. Había niños que corrían disfrazados con sus propias “creaciones” por todos

“Escriban: hay que escribir. No digo que escriban una novela estupenda, maravillosa, que va a ganar el premio Nobel; ni tampoco van a escribir una novela que hará a los editores pelearse para publicarla. Hay que escribir algo: un cuento pequeño, un poema. Escribir es terapéutico además, hace bien. Porque ahí ponés cosas tuyas, aunque estés contando las aventuras de un señor en las islas Fidji, hay algo propio y eso lo vuelve curativo. Los años de aprendizaje serán muchos, seguro, pero valen la pena porque cuando uno aprende a escribir, aprende a mirar a su alrededor». Así, directa y contundente, fue la intervención de la escritora Angélica Gorodischer -nacida en julio de 1928- hace unos días, en la apertura de la Feria del Libro de Rosario. Era un día importante: la Feria llevaba diez años de faltazo en esa ciudad.

Casi no hay necesidad de presentar a Gorodischer: se trata de una autora argentina, con más de 50 títulos de narrativa, que van del cuento a la biografía y el ensayo, una pionera de la ciencia ficción, una feminista de la primera ola y una rosarina que supo hacer mejor que nadie aquello de “pinta tu aldea y pintarás el mundo”.

Claro que ella se dedicó a pintar otros mundos, el del Imperio Más Vasto que Nunca Existió, en Kalpa Imperial, por ejemplo, o algunos otros más. Su escritura fantástica resultó en su momento tan atractiva que fue traducida por la misma Ursula Le Guin, santa patrona del género. Hoy los textos de Gorodischer siguen estando en el candelero y se encuentra a la altura de Margaret Atwood: si no la hemos visto en una serie (pero sí en la película de 2007 de María Victoria Menis, La cámara oscura, basada en un cuento de Gorodischer), es porque los productores andan endeudados o distraídos.

El acto de homenaje consistió en una entrevista realizada por Lisandro Murray, joven escritor de la ciudad, y la escritora Patricia Suárez. “Yo decidí que lo único que quería en la vida era escribir”, comenzó diciendo Angélica Gorodischer y se despachó con un discurso fresco y desacartonado, propio ella, que produjo un silencio sacramental entre el público. A su manera, fue una clase sobre escritura y oficio de escritor.

«Yo escribo narrativa porque tengo que contar cosas que pasan; pero ustedes escriban lo que se les dé la gana. Un soneto. Yo, cuento: miro a mi alrededor y cuentos hay en todas partes. En la lamparita de allí, hay un cuento, y en la puerta aquella hay otro cuento. Y por supuesto que te va a salir mal al principio, y si aprendés a patinar en rollers también la primera vez que te subas te vas a caer de traste. Con la escritura sucede igual: el primer cuento quizá sea un desastre, pero el segundo lo será menos. Llegará un momento en que dirán: ‘Ah, caramba, este cuento no me salió tan mal,’ Y resulta que ese cuento que escribiste cambiará el inmenso universo que no contenía a tu cuento hasta el día en que lo escribiste. Antes no existía y ahora existe, entonces, cambió al universo.”

Angélica Gorodischer se definió así misma como una lectora constante: “Escribís de otra manera cuando estás con un libro en la mano; a mí me van a encontrar con un libro en la mano siempre”, y a la pregunta de qué está leyendo en este momento, responde que el libro de Camille Flammarion Los mundos reales y los mundos imaginarios, porque “Si alguien quiere escribir tiene que leer de todo, no solamente literatura. La ciencia, por ejemplo, a los divulgadores científicos. El idioma de la ciencia es un idioma poético; las palabras, la construcción, la mirada. Si alguien quiere ser poeta, tiene que leer ciencia. Y si vos escribís, tenés que leer de todo. Ingeniería, medicina, astronomía, lo que venga, además de literatura. Si querés ser poeta, leéte todos los poemas del mundo, todas las novelas del mundo. Pero además, tenés que leer otras cosas: porque cada vez que leés otras cosas, mundos ajenos, el horizonte retrocede. Porque cuando no leés nada, el horizonte está en la punta de tu nariz, y cuando leés el horizonte se amplía.”

Como escritora y como mujer siempre estuvo comprometida en materia de feminismo, “todos mis personajes son mujeres”, dirá ella, mujeres que rompen el molde, hasta en la figura de la “tía” serán mujeres novedosas, ya que, según su propio relato biográfico, contó con doce durante su infancia, amorosas y especie de gorgonas a su vez. Pero además, dado que la revolución empieza por casa, hace dos décadas ella creó, con el auspicio de la Secretaría de Cultura de Rosario, unos Encuentros de Escritoras, adonde iba toda la población femenina que se dedicaba a las letras en este país, y mucha del exterior. Luego de las exposiciones, se nombraba a “Mujer honoraria” a un hombre cuyo pensamiento y hacer fuera feminista y, por supuesto, no pudo menos que serlo en una ocasión, Sujer Gorodischer, su amor y compañero de toda la vida. Muchas veces, también, detrás de una gran mujer hay un gran hombre.

“Yo creo que fui feminista desde que nací, pero no me dí cuenta entonces. Y además era feminista porque otra cosa no podía ser. La consideración general, el libreto opositor de aquellos tiempos, no cambió. Me decían: ‘Ah, vos sos feminista y seguro debés odiar a los hombres’. Y yo contestaba: ‘No, querida, no es eso. A mí los hombres me gustan muchísimo, así que tranquilizate’. Soy feminista no por si me gustan o no me gustan o quién me gusta; lo soy porque pienso, porque miro a mi alrededor y pienso. Como ese ‘amanece, que no es poco’, yo pienso, que no es poco. Y salí a la palestra por todas mis congéneres, quienes aceptaron con mucho gusto que yo saliera a la palestra. Desde ese entonces estoy trabajando en eso bien, mal, más o menos oficialmente y más o menos de costado. Siempre.” ¿Cómo lo hizo?, ¿cómo realiza su tarea?: la fórmula se atiene a una sola respuesta: escribiendo.

“Los personajes femeninos del siglo XIX terminan siempre suicidadas o borrachas tiradas en la calle o destruidas con vidas terribles; siempre tienen finales siniestros”, cuenta, “Por eso yo quise escribir sobre mujeres que logran sus metas. No las grandes metas, no voy a hablar de Marie Curie; sino de muchas mujeres que conseguían lo que querían sin hacer una revolución ni matar a nadie ni tirar abajo sus casas o abandonar sus hijos o renunciar a todo lo que tenían. Sino que lo llevaban adelante como puede hacerlo un hombre: exactamente de la misma manera. Esto que escribo es lo que se llama feminismo”. Y sigue, porque está publicar un libro de cuentos y acaba de empezar la escritura de una novela: “Mi editora, a la que amo, me dice: ‘No me mandes tanto material’; pero yo se lo mando igual, ¿qué otra cosa voy a hacer?”

Hace más de dos siglos, el francés Charles Fourier -un mordaz crítico de la economía y el capitalismo de su época- aseguraba que “los progresos sociales y los cambios de época se operan en proporción al progreso de las mujeres en la sociedad”. La historia argentina, desde la conquista española hasta la actualidad, prueba que las mujeres han cargado y cargan -a la par de los hombres- con buena parte del peso de la historia del país, en el plano de la cultura, la política y las ciencias, aunque son negadas a la hora de escribir las versiones que revisitan el pasado, en los libros, los manuales escolares, los medios de comunicación y las conmemoraciones públicas. En su nuevo libro, Mujeres insolentes de la historia (Emecé), el historiador y columnista de Viva, Felipe Pigna, y el ilustrador Augusto Costhanzo –que concreta un trabajo por fuera de todo cliché asociado a la mujeres objeto, tan enraizados a la cultura del dibujo- se centran en 29 personajes femeninos rebeldes o sobresalientes de Latinoamérica e intentan compensar en parte de esa injusticia.

El libro, que resultó uno de los más vendidos en la Feria del libro de este año, incluye a mujeres destacadas -y que cometieron todo tipo de “insolencias” frente al poder-, de un período que abarca desde la conquista española, hasta comienzos del siglo XX. Desde Anacaona (1474-1503), una indígena haitiana, que resistió a los conquistadores españoles, en tiempos del ‘descubrimiento’ de América, a Alfonsina Storni (1892-1938), que además de poeta, feminista y socialista, fue madre soltera a sus 19 años. O a Cecilia Grierson, la primera médica argentina (“Conste que estoy tomando examen a un ser inferior”, escribe el profesor en el acta de examen, allá por 1910). Y Martina Céspedes, dueña de una pulpería de San Telmo, que –junto a sus hijas- redujo a 13 oficiales durante las Invasiones Inglesas de 1807. Otra de ellas es Virginia Bolten, fundadora, en 1896, del primer periódico anarco-feminista de Latinoamérica, ‘La voz de la mujer’, que tenía como lema “Ni Dios, ni Patria, ni marido”, y que ella editaba junto a un grupo de compañeras de la refinería de azúcar en la que trabajaba y financiaba con su magro sueldo de operaria.

-La intención del libro parece ser denunciar una invisibilización histórica pero, a la vez, mostrar de qué forma estas mujeres opusieron resistencia y no se resignaron a la vida doméstica…

-Sí, la palabra «insolente» era un término muy utilizado por los conquistadores españoles para descalificar a las mujeres originarias que se negaban a aceptar el nuevo orden, impuesto por reyes lejanos y ajenos. Después, el término se popularizó. Creo que es un libro oportuno, porque los más jóvenes quieren saber si las mujeres que hoy ven luchando activamente siempre padecieron la desigualdad. Lo veo en las escuelas, donde voy a dar charlas: ellos se sorprenden ante tantas injusticias padecidas. Y saben que el feminismo no es una moda sino una tendencia sin retorno.

-¿Los mecanismos de invisibilización de las mujeres tuvieron en Latinoamérica particularidades propias?

-Aquí, la fuerte presencia de la Iglesia católica, siempre muy unida al poder real, imprimió características particulares a esta represión. La misoginia de la Iglesia venía unida a la de la corona española, y a las mujeres hasta se les prohibía estudiar. Tenemos el caso de Sor Juana Inés de la Cruz, por ejemplo, que se escondía en un convento para poder leer. Hay que aclarar que cristianismo no es lo mismo que catolicismo: Jesús no fue en absoluto misógino, el problema las mujeres lo tuvieron con el catolicismo, puntualmente.

-Las mujeres que lentamente empiezan a sobresalir, lo hacen en el plano militar, el de las letras y de las ciencias.

-Es así, y estas 29 mujeres representan distintas formas de la rebeldía. En el contexto de las actuales reivindicaciones feministas, está bueno también que los más jóvenes vean dónde comienzan estas luchas e incorporen a estas mujeres a su lectura de la historia.

-En relación al tema del aborto, que se debate actualmente, ¿usted diría que la penalización es también una forma de opresión?

-Por supuesto, una forma criminal. Lo vemos en el caso de la chiquita de 10 años a la que no dejaban abortar. ¿Por qué una institución, además, debería estar por encima de lo que una mujer decide hacer con su cuerpo y con su vida? Eso es una aberración.

-¿Considera que la sociedad argentina está madura para asumir una posición favorable a la despenalización?

-En términos generales, mi impresión es que sí, así lo espero. Estamos hablando de un derecho que no debería estar penalizado, no de una obligación. Las mujeres deberían tener la posibilidad (el aborto legal) en este marco de tanto femicidio, tanta violación, tanto embarazo no deseado, y que se acompaña de una ausencia absoluta de educación sexual integral en las escuelas. Es muy llamativo que la gente que dice defender la vida no esté invirtiendo su energía en promover la educación sexual, y en defender el derecho femenino a gozar, porque el disfrute es algo que se les sigue negando a las mujeres…

-Ese tema sirve de eje a algunos de los nuevos libros feministas. ¿Qué es lo que hace que todavía este punto, el del disfrute femenino, provoque tantas resistencias?

-Es insólito que todavía sigamos discutiendo o asombrándonos ante el derecho de las mujeres a disfrutar de su sexualidad, pero eso ocurre en sociedades como la nuestra: sigue habiendo muchas diferencias en relación a cómo se ve al hombre que disfruta de sus relaciones –que aparece como «un vivo»- y cómo es tratada la mujer, a la que se ve como «prostituta» si disfruta, mientras se le sigue exigiendo que cumpla y obedezca los mandatos. Esa inequidad se ve en el Código Civil y aún en la Ley de Matrimonio Civil, que rigió entre 1887-1921-, y aunque significó un avance, penalizaba con la cárcel la infidelidad femenina, y hasta la sospecha de infidelidad. En el caso de los hombres, en cambio, siempre había atenuantes, e iban presos en caso de llevar a vivir a su casa a su amante. Hoy en día, sin llegar a estas aberraciones, la infidelidad femenina y el disfrute siguen siendo “condenados” socialmente, por el modo en que son vistos.

-¿Cuál es el trasfondo de esa represión extendida? ¿Por qué las mujeres generaron –y acaso generan- tanto temor?

-Las mujeres siempre fueron consideradas por el machismo como seres peligrosos, de ahí las artimañas históricas para quitarles o debilitar su poder. Según un criterio machista, cavernícola, éstas deben ser esposas, madres; y ese es un criterio todavía muy vigente en ciertos ámbitos. La «insolente», en cambio, opina, escribe libros, hace política; invade territorios que siempre dominaron los varones. Por suerte, los profundos cambios a los que asistimos no tienen vuelta atrás.

El encuentro estaba convocado para evaluar el año que pasó a partir de la reapertura del Teatro San Martín. Sin embargo, entre números optimistas, se impuso la pregunta sobre el futuro del Teatro Alvear, que permanece cerrado al público desde mayo de 2014. El último funcionario en anunciar su reapertura fue Angel Mahler, el anterior ministro de Cultura porteño quien, en marzo de 2017, dio una fecha: 25 de mayo de 2018. Nada de eso ocurrió y este martes Jorge Telerman, titular del Complejo Teatral de Buenos Aires, dijo que no hay un plazo determinado para la reapertura, que no empezaron las obras. Pero, aseguró: “El Alvear no se venderá; sea como fuera, no se venderá. Yo sigo viendo que es buena la inversión del gobierno porteño en infraestructura cultural y que eso dará sus frutos. No digo que la inversión se vaya a recuperar con entradas, porque ese no es el objetivo del teatro público, sino que se recuperará en patrimonio.”

Telerman destacó aspectos positivos: “Cuando llegamos al Complejo teatral de Buenos Aires no había estructura”, comentó el funcionario, “hoy la hay. No se podía funcionar con menos gente de la que había, porque el Complejo es una fábrica de arte. Así que se incorporó un contingente de técnicos que hacían falta; son un total de 80 personas que, entre otros oficios, produjeron más de las 30 mil prendas del vestuario de obras. También pasaron a planta 150 personas que estaban contratadas”. Todo lo que se hace en el teatro -dijo- se produce en el teatro y los elencos se desplazan a Olivos, Campana, Pilar, San Martín, La Plata o Vicente López.

El proyecto de recuperar un elenco estable no se concretó, aunque Telerman dice seguir anhelándolo. También están buscando el modo de reponer obras que fueron un suceso en cartelera y que la programación, exigente respecto de la cantidad de puestas de cada una, obliga a bajar.

El funcionario hizo otros anuncios. El primero, la reapertura, el 7 de junio, del Centro de Documentación de Danza y Teatro, que tendrá nuevo nombre y será un nombre de mujer: están entre el de la titiritera Nané Bernardo, el de la coreógrafa Ana Itelman, El de la directora teatral Alejandra Boero o el de la actriz Elena Tasisto. La elección se da por votación abierta en Internet: http://complejoteatral.gob.ar/ver/votación/votacion.

En tren de reapertura, el Teatro volverá a abrir su famosa Fotogalería, se amplía horario de atención El segundo, la inauguración el 12 de junio de la Fotogalería, esta vez dirigida por un triunvirato de artistas: Rosana Schoijett, Bruno Dubner y Ariel Authier.

Telerman también recordó que se formará -como anunció en diciembre el ministro de Cultura porteño Enrique Avogadro- un Consejo de Cultura formado por veinticinco a treinta representantes de distintas áreas de la cultura: a la cabeza estará el propio Telerman y su función será proponer ideas que beneficien el quehacer cultural de la ciudad. Los nombres, bajo siete llaves.

La atmósfera general en la conferencia fue de satisfacción. Los cuatro teatros que forman parte del complejo, el Teatro San Martín, el Regio, el Sarmiento y el de La Ribera, acogieron a más de 330 mil espectadores en sus 800 funciones anuales.

Ahora, el Teatro de la Ribera existe de manera sostenida, beneficiado también por el proyecto de hacer del barrio de La Boca el Distrito de las Artes, que contiene además, el Museo Quinquela Martín, la Fundación Proa (que es privada) y el Museo del Cine. Algo parecido sucede con el Teatro Regio -en Chacarita- que también está trabajando en la fidelización del público y en un objetivo a lograr que podría echar raíces: hacer que la gente del barrio se apropie de su teatro, lo considere suyo; que ese teatro represente a la gente de su barrio.

Por otra parte, la fecha del FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires) será definitivamente corrida al mes de febrero; lo cual es conveniente en especial para las salas y teatristas del sector independiente que veían muy mermada la circulación a sus propias propuestas, todas eclipsadas por la afluencia de espectáculos internacionales al festival.

“El acompañamiento que está haciendo el público a estas salas y la crítica que recibimos de los medios, en ocasiones, nos ayuda a crecer y a seguir pensando”, aseguró Telerman, “el presupuesto del 2019 se solicitará recién en septiembre y ya está bastante delineada la programación para el año que viene; pero estoy muy conforme con el monto recibido en 2018 que nos permitió planificar y programar a gusto”.

Después de que en estos días se viralizaran las imágenes del ministro de Cultura porteño, Enrique Avogadro, degustando el pasado sábado una torta que representaba el cuerpo de Jesús sangrante en el marco de una performance artística que tuvo lugar en la feria de arte FACA, el arzobispo de Buenos Aires, Mario Aurelio Poli manifestó ayer por la tarde su indignación en una carta dirigida al Jefe de Gobierno de la Ciudad, Horacio Rodríguez Larreta, a la que tuvo acceso Clarín. A última hora de este martes, el gobernante le dio la razón al sacerdote: «En lo personal, como creyente que soy, la actuación del Ministro de Cultura me duele», escribió.

Poli es el sacerdote que presidió el tradicional Tedeum en la Catedral Metropolitana, el pasado 25 de Mayo, en presencia del presidente Mauricio Macri, su esposa, Juliana Awada y la plana mayor de ministros del gobierno nacional.

Después de señalar que el hecho del que participó Avogadro “podría haber pasado desapercibido si su significado y proyección no hubiese ido más allá de de una obra artística”, el arzobispo argumentó: «El Cuerpo de Cristo yacente es objeto de devoción y adoración por la mayoría de nuestro pueblo (…). El ministro no tuvo en cuenta el respeto a los hombres y mujeres que profesamos la fe de los cristianos.”

En otro de los tramos del documento enviado ayer al Jefe de Gobierno porteño, el prelado califica la acción del ministro como “un agravio al espíritu religioso, que no colabora con la pacificación anhelada de nuestra sociedad ni al debido respeto al ejercicio de las creencias”. Finalmente, Poli expresa su “profundo dolor y vehemente rechazo” ante la intervención de Avogadro y finaliza pidiendo al Jefe de Gobierno, en nombre de la comunidad a la que representa, “un juicio justo y público a nuestra demanda.”

Rodríguez Larreta se hizo eco de la carta y fue claro: «Debo decir que coincido con usted», expresó. «Entiendo el malestar que todos los fieles atraviesan frente a un hecho que vulneró un tema tan central y dogmático para la fe católica». Y más adelante: «También me sentí agraviado y sorprendido».

Con todo, Rodríguez Larreta renueva su confianza en su ministro: «Creo en su genuino y sincero arrepentimiento, así también como en su voluntad de reparación», le dice el Jefe de Gobierno a Poli.

Lejos de ser una expresión aislada, el enojo de Poli se vio reflejado en las manifestaciones espontáneas de miles de ciudadanos que por estas horas reúnen sus firmas en la plataforma Change.org pidiendo por la renuncia del ministro. Al cierre de esta edición, se habían manifestado unas 15 mil personas.

El motivo que desencadenó el malestar de parte de la comunidad religiosa, de la que Poli se hace eco y portavoz, se inició cuando el fin de semana, en una visita a FACA, Avogadro se prestó a una suerte de acción performática de los artistas Pool & Marianela, quienes ya habían presentado otras obras provocativas en muestras en el exterior: en este caso, presentaban una torta que representaba el cuerpo muerto de Jesús, que después de diseccionar, comieron junto al ministro en platos plásticos de cotillón. Los artistas también habían intervenido una Barbie como la Virgen de Luján, y presentaban un muñeco Ken como un Jesucristo de juguete.

La muestra, titulada Kidstianismo, se presentaba en el Hipódromo de Palermo, después de haberse expuesto en ciudades como Los Ángeles, en los Estados Unidos, y proponían a los espectadores observar la religión a través de la mirada de los niños. Avogadro había llegado hasta allí acompañado de junto con Diego Radivoy, el director de Desarrollo Cultural y Creativo.

“Creo que se puede definir a Kidstianismo como la religión católica vista a través de los ojos de los niños. En este caso, de nosotros como chicos, cómo lo hubiésemos construido a través de nuestros ojos», explicaba Pool en febrero de este año en revista Viva. «Es un poco la confusión que todos alguna vez sentimos entre los superhéroes –los que veíamos en los dibujos animados– y este hombre que es Cristo, un salvador y un profeta. La cara y el cuerpo de Jesús, tal como lo pensamos hoy, fue obra de distintos artistas a lo largo de los siglos”,

Las imágenes que muestran a Avogadro comiéndose a Jesús sobre «platitos de papel», como recogió hasta el diario romano Il Messagero, circularon por las redes durante las últimas horas, a lo que siguió un pedido de disculpas del ministro vía Facebook. «Lamento si alguien se vio ofendido en sus creencias más íntimas», escribió Avogadro, aunque la indignación seguiría creciendo de manera imparable.

El abogado católico Pedro Andereggen -especialista en Derecho Penal y en libertad religiosa y militante antiabortista- se montó sobre el escándalo mediático: impulsó una demanda formal contra el ministro, con pedido de juicio político incluido, ante la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. Fue pocas horas antes de que se difundiera públicamente la carta del arzobispo.